エラッド・ラスリー＠RAT HOLE GALLERY

いつもよくわからない作家を紹介することが多いギャラリーだが、そうした自分の戸惑いを楽しむためにも定期的に訪れている。

今回の展示会も、あの大きくて広いフロアに小さな写真が何点か、それとベッドのオブジェのようなもの、あと8ミリの映写機で映像がある。リリースによるとエラッド・ラスリーはイスラエル生まれの作家で、主に米国ロス・アンジェルスで活動しているらしい。

写真はいずれも変哲のないもので理解に苦しむ。また、映写機の映像は何かの絵画の一部をクローズアップで切り取ったもの。これも全体が分からないのでいらいらする。しかし、こうしたよくわからないものを面白がって価値をつけることに米国の、特に西海岸のアートマーケットの特徴があると思う。

そうした西海岸の感覚を肌で感じさせてくれるので、このギャラリーは貴重だと思う。そういえば青山の裏通りはなんとなくベニスビーチやサンタモニカっぽい。

高松次郎 “万物の砕き”＠Yumiko Chiba Associates viewing room shinjuku

このギャラリーはどの駅から行っても遠いが、高松次郎を定期的に見られるのはここだけなので路程が苦にならない。

今回の展示は高松の単体のバリエーションだろうか、木の小箱に金属片や木片が置かれている。そのままでは何の面白みもない。しかし、これをネタにああでもない、こうでもないと考えを巡らせ、周りと話をするのが楽しい。今日でも真剣な研究者がいるのはそうした概念の展開が大きいからなのだろうか。

会期中に2回ほどトークイベントがあるらしい。やはり話を聞きながら鑑賞するともっといいのかもしれないと思った。

「セザンヌ―パリとプロヴァンス」展＠国立新美術館

平日の午前中だというのに立ち止まって見られないほどの込み具合。なのでさらっと流してみただけだが、点数が多くてそれなりに満足した。

セザンヌはラフで中途半端な作品ばかりという印象があった。しかし、これだけの点数を見ると、それがいつのまにか好ましく思えてくる。

「四季」（1860-61）の4作品も大きいだけで綿密さに欠けているし、完成させようという意思が感じられない。
その他の作品も明らかな塗り残しがあった。「横たわる少年」（1887）や「3人の水浴の女たち」（1876-77）などでは人物の手や足を省略している。

しかし、彼の作品を多く見ていると、完成させることに何の意味があるのかと思えてくる。

絵画を映像を伝達するメディアとして捉えるならば、完成させる必要などないのかもしれない。なのでサロンを拒否しているという意味ではセザンヌはモネやルノアールなどよりもよっぽど過激で前衛だったのかもしれない。

人物では「坐る農夫」（1900-04）の頭部と手の極度なアンバランスに惹かれた。また、明らかに固定を欠いた静物では、あえてコインなどを設置して落ち着かない配置にしていることを初めて知った。

これらを見ていると、後年のキュービズムなどの安定性を欠いた映像との関連を考えてみたくなる。セザンヌを直後の印象派とつなげるよりもキュービズムやフォービズムと関連させて論じる人が多いのもうなずける。

ひととおり見たが納得いかないものがあり、新美3階のライブラリで図録をじっくりと読み、その中に「セザンヌからマティスへ」（長屋光枝）という文章を見つけた。彼は同時代には受け入れられなかったが、数十年とばして20世紀初頭から中期の表現に影響が大きかったらしい。いい勉強になりました。

「館林ジャンクション 中央関東の現代美術」＠群馬県立館林美術館

せっかく高崎まで行ったので以前から行きたかった館林にも行ってみた。しかし、同じ群馬県とはいえ遠い。高崎から一駅だけ新幹線に乗ってしまった。そうして着いたいかにもローカル駅らしい東武伊勢崎線多々良駅から徒歩で向かうと、10分ほどで広大な小麦畑が揺れる美術館のアプローチに着く。

企画展は館林を中心にした北関東の作家によるグループ展で、大型の立体、平面、インスタレーション、コンセプトとややとりとめのない感じ。

入り口正面の眺めのいい展示室でみた吉本義人の金属による造形は、バランス感覚と腐食のテクスチャが心地いい。小川精一の陶器のシリーズと併せてアート空間にいることの快感を満喫した。

その他の展示では藤井龍徳の環境告発的な作品が目についた。
木材が何本も立っている展示室。ぐるっと回ってみるとその一本一本に墨で何かか書かれている。そうするとこれは卒塔婆なのか。周囲の壁には濁った水の入ったガラスチューブやビニール袋が掛かっており、それぞれには渡良瀬川など、取水された場所が書かれている。

これはやはり環境破壊をテーマにした作品なのだろう。フクシマ以来多くの作家がこれをテーマにすることが多くなったが、ちょっと考えてみればこの問題は昨年から始まったわけではない。渡良瀬川の鉱毒事件や渡良瀬遊水地の強制退去などについて、わざわざ思い出さなければならないことを恥ずかしく思った。

また、たとえ社会的テーマであっても作品は造形であり、造形には美意識に基づいた完成度が求められる。広島やフクシマを取り上げているあるコンセプト作家群に私が全くそそられないのは、彼らには世に出す作品を完成させるという意識が欠落しているからだ。藤井の展示空間にいてそんなことを考えた。

あと、所沢ビエンナーレで見た佐藤万絵子のビニール空間に再会できた。これもカサカサ言わせながらあちらこちらと潜り込んだ。

展示室を出て、中庭に向けて歪曲した長い通路を進んでいくと栃木美保の香りの作品がある。ひとつづつシャーレを開けて星座の名前のついた香りを楽しんだ。

通路の端から屋外に出て別館に行ける。ここはフランスの彫刻家フランソワ・ポンポンのアトリエを再現している。窓の外では木漏れ日が揺れていて居心地がよかった。ここなら監視もいいだろうなと監視の人に話しかけたら「ホントにそうです。ありがたいです」と言っていました。

本館のはずれにはちょっとした木立があって、いくつかのベンチが置かれている。ここから眺める芝生の広場と美術館の建物がまた素晴らしい。やっぱり美術館という空間を楽しむならここははずせないと確信した。思い出してもまだ気持ちがいい。ああ、行ってよかった。

美術館からちょっと行った所に白鳥の飛来地で有名な多々良沼があるらしい。徒歩だったのでこちらは残念ながら断念したが、彫刻の小径という公園は散歩した。群馬県の美術館は春のお出かけにちょうどいいという発見をした。

平川典俊「木漏れ日の向こうに」＠群馬県立近代美術館

群馬県のアート巡りに高崎と館山へ行ってきた。在来線でのんびりと思ったが、群馬県立近代美術館まで3時間ちょっとかかってしまい、素直に新幹線にすればよかった。しかし、たどり着いた美術館は磯崎新設計の重厚なコンクリート造りでありながら軽やかな空間。

企画展の平川典俊は主にニューヨークで活動している写真家。作品は企画モノの組み写真が多かった。

日本の母娘に服装を交換させて正面から撮った「母は私、私は娘」。同じく「正面玄関」は地方出身の女性を渋谷の路上で横たわらせて一枚、その上に地元の母、その下に父をそれぞれ横たわらせた写真を配した組み写真。また、女性を男性トイレに座らせて居心地悪い印象をかもしだした「フロストバイト」。いずれも意図は分かるが映像が魅力的でない。むしろ著名人のモデルを使った方が皮肉がきいたかもしれない。

会場にはとにかくキャプションの量が多い。そこまで言わなくてもいいのに、と説明過剰な感じを受けた。

私は写真よりもインスタレーションを楽しんだ。入って直ぐのところにある「人為の共同体」は膨大な一円玉を使ったもの。横トリでジェイムス・リー・バイヤースが作った「ダイヤモンドの床」よりも直接的で風刺がきいている。

展示会場の中心に作った「木漏れ日の向こうに」もよかった。暗い空間に入るとまずはルームランナーをこいで発電する。すると中心の透明ボックスの4面に投影されたダンサーがパフォーマンスを始める。このダンスが素晴らしい。フランクフルトで活動している安藤洋子という方らしいが、立って歩いて振り向いてというわずかな動きから、揺らぎ、戸惑いなどの感情が読み取れた。生のパフォーマンスがあったら行ってみたい。

また、隣の囲われた空間で光のインスタレーションとともに流れる音楽がとても良い。インスタレーションはつまらないのだけど、じっと暗闇の中で聴き入ってしまった。後で資料を読んだら作曲のミヒャエル・ローターは元クラフトワークだったらしい。シンプルだけどドラマチックでどうしても最後まで聴きたくなる曲だった。

写真はいまいちだったけど、このインスタレーションのためだけにでも高崎まで行ったかいがあった。

それから2階の常設展へ。

近代の洋画では、佐伯祐三、国吉康雄などがあってうれしかった。長谷川利行「少女」（1935）はドローイングのようなシンプルな線ながら可愛らしい人物像。鶴岡政男の「夜の群像」（1949）は「重い手」にタッチがかなり近い。制作年代も近い。あと、福沢一郎の2枚の石膏を使った大きい作品が印象に残った。

現代エリアでは藤岡蕙子と佐久間美智子という方のファイバーアートがあった。これまでファイバーアートにはあまり興味をそそられなかったが、自由な造形に加えてテクスチャ感が心地良く、この分野への可能性を感じた。ファイバーアートもこれからもっと見てみよう。

その他、丸山直文のぼんやりとした映像を3点楽しめた。それから押江千衣子の花弁を描いた巨大な作品に惹かれた。「カシン」「あまいにおい」など、いずれに香りがただよってきそうな映像で、その前にいると昆虫になって引き寄せられて行くようだった。

鑑賞後はのどかな公園でお弁当。これも気持よかった。

ミリアム・カーン「私のユダヤ人、原子爆弾、そしてさまざまな作品」＠ワコウ・ワークス・オブ・アート

ミリアム・カーンは70年代から活躍しているスイス在住の作家。今年のG-tokyoで数点を見て、さらに見たくなって六本木に出かけていった。多くのポートレートとハプニング風のドローイングがあったが、手前の部屋の数十個のポートレート群は組み作品らしく、個別のタイトルはない。それが「私のユダヤ人」という作品だった。

鮮明ではあるが、もはや悪夢のような色使いで、曖昧な輪郭で描かれる人物たちは老人、大人、子ども、男、女と多様で、怒り、哀しみ、放心などの表情をしている。その表現手法がそれぞれの人間の語り尽くせない人間の状態を表現しているようだった。しかし、これらが迫害されたユダヤ人での姿を表現しているのか明らかではない。

しかし、それはどうでもいいような気がする。今日に生きるある民族の個人であろうと一言では表現できないものだから。

ポートレートというものに何が表現できるのかを目の当たりにできる鑑賞体験だった。

西尾康之「エキゾチズム」＠山本現代

以前、西尾による巨大で凶暴そうなセイラさんを見たことがあったが、今回の作品もかなり不気味だった。作品はいくつかの人物と浮き彫りの立体。いずれも昔の少女マンガ風のキャラクターで、中世のヨーロッパ風のストーリーを表現しているようだった。

そもそも少女マンガの巨大な眼とか装飾過多の衣装とか、不自然なくらいの足の長さなどは単体の映像としてみると気味が悪いものだ。立体になっているのでさらに怖い。

これを見て思ったのだが、直前に見た渡辺豪のCG少女もそうだが、人物を過剰に表現することは日本人に特有の感性なのだなあとあらためて思った。

渡辺豪”portraits”＠アラタニウラノ

このギャラリーは新富町から白金に移転。最初の訪問は先日ルイ・ヴィトンで興奮したCGアートの渡辺豪。

10年ほど前にはこうしたCG美少女が大流行で、CGクリエーターはこぞってShadeやらLightWaveでモデリングしてた。それからはすっかり下火になってしまった。いまでもFinal Fantasyなどの3Dゲームでは素晴らしいキャラクターやモーションを楽しむことができるが、テクノロジーの粋を尽くすほどにリアルとの隔絶感が浮かび上がってくる。

渡辺も目尻などのディテールは恐ろしいくらい綿密に作りこむのだが、顔の構造はどことなく現実感の薄いものになっている。そうした作品を見ていると、CGはリアルさの追求に伴って、それに比例して増加するリアルとの乖離を楽しむものになったのかと思う。

これは人が見たいものとそれを表現するためのテクノロジーの関係について考えさせる作品群だった。

志水児王「Elements」＠MISA SHIN GALLERY

ICCで見たフラスコの作品は明るい部屋の6面すべてに揺らぎが映って包まれるような体験だったが、今回は暗くした部屋でワイングラスから生成される光のダンスに見入ってしまった。

たぶん、表面の汚れやちょっとした空気のゆらぎによって映像が大きく変化するんだろうね。そう考えるとこれも一期一会の体験なのでしょう。

そうした体験をどうしやって固定するのかと思ったら、事務室の壁にはそうしたレーザーの反射を印画紙に写しとったものがフレームに入れて飾ってあった。インスタレーションを作品化する手法なのだけど、やはり体験の影にすぎないという印象も浮かんだ。